서문/고윤정
《두 비트 사이의 틈》은 예술과 삶의 같고 다름에 대해서 사유하면서 기획하게 되었다. 예전의 미술 전시들은 주로 삼청동과 통의동에서 열렸고, 한번 안국역에서 내리면 여러 전시장을 방문 후에 귀가할 수 있었다. 한때 예술은 화이트큐브의 특정한 장소와 포맷에서 매개되고 사유되었으나, 오늘의 전시 현장에서 보이는 예술가들의 관찰의 흔적은 자신이 속해 있는 ‘지금 이 순간’의 공동의 모습에 주목한다.
앙리 르페브르는 『리듬분석』에서 일상성의 문제를 공간의 문제로, 공간에 대한 관찰을 ‘리듬’으로 표현한다. 창문을 열고 보이는/들리는 풍경은 자동차, 보행자의 걸음, 크고 작은 소음, 신호등 거리 등등이다. 같은 장소이지만 오전, 점심, 오후, 밤시간의 풍경이 다른다. 예를 들어 7시 30분-8시 무렵에는 중, 고등학생들이 학교를 가고, 8시 20분-9시에는 초등학생이, 9시-9시 30분에는 유치원생이 등원을 한다. 밤이 되면 주거 공간이 많은 곳은 사람들이 하루를 정리하는 소리가 들리고, 이태원이나 홍대앞같이 젊은이들이 발걸음을 하는 곳은 저녁 시간이 하루의 시작이다.
운동, 속도, 동작, 사물들의 연쇄도 ‘리듬’이겠지만, 리듬은 운동의 유기적인 측면을 포함하며, 리듬은 박자 계산의 이상이다. 주기는 빠를 수도 있고, 느릴 수도 있다. 그것은 도시의 리듬을 단지 박자를 정확하게 맞춰야 하는 춤이나 음악으로만 표현할 수 없는 것과도 같다. 리듬의 구성을 이루고 있는 ‘반복’은 동일성을 유지하는 절대적인 반복이 존재하지 않으므로 ‘반복’은 곧 ‘차이’이다. 도시의 삶을 이루고 있는 각종 활동, 규칙과 법은 반복적인 것 속에서 갑작스럽게 새로운 것이 끼어들면서 변주가 생긴다. 리듬은 선형적으로 생길 수도 있고, 순환적으로 생길 수도 있다. 그렇게 프레이즈를 완성하게 되고, 시간의 흐름에 따라 하나의 법칙이 점차 자리잡게 된다.
이번 전시에서는 ‘리듬’이 삶을 관통하면서 생기는 여러 가지 현상들을 작품을 통해 귀결되는 과정을 보이고자 한다. 예술가가 추구하는 각각의 순간들은 양적으로 확장되고, 내용을 포괄하면서 각자의 계산되고, 예측된 계획들이 전시공간에 전개되는 것을 보여준다. 무엇보다도 도시의 리듬은 ‘현전’의 삶이다. 도시의 파편화된 장소 은닉된 일상의 리듬을 예술가의 눈으로 읽어내는 과정은 우리가 처한 동시대의 삶은 어떤 문제에 직면하고 있는지 작은 틈들을 관찰하는 것이다. 또한 그 틈을 발견하고 다시 새로운 리듬과 구조를 발견하는 과정은 ‘몸’으로 부딪쳤을 때 가능하다. 시각적, 청각적인 리듬이 어떻게 몸에 체화되고 반복을 통하여 제스처와 습관으로 되기까지 수많은 변증법적인 과정을 거칠 것이다. 《두 비트 사이의 틈》은 이렇게 반복되는 리듬 사이를 비집고 새롭게 등장하는 현실의 리스크를 발견하고 지우고 다시 재구축해가는 가능성을 제시할 것이다.
시각적, 청각적인 리듬이 몸에 체화되는 반복을 통하여 제스처와 습관으로 되기까지 수많은 변증법적인 과정을 거치게 되는데, 이번 전시에서는 예술가 각자가 사유해온 사물, 도시, 패턴, 중첩, 반복 등 리듬을 이루어온 여러 가지 요소들이 소개된다. 금천구는 서울에서 가산디지털단지 등 IT 관련 기업들이 몰려 있는 곳과 주거지가 중심인 공간으로 가장 표준적인 도시의 모습을 갖고 있는 곳이다. 금천예술공장은 약 10여 년 전부터 금천구에 자리를 잡고 문화 예술의 중심지가 되어 왔다. 이번 전시에서는 금천예술공장과 신생공간인 예술의 시간을 중심으로 전시공간을 설정하면서 예술가가 해석하는 삶과 예술의 경계를 함께 경험해 보도록 한다.
권희수는 도시의 소리, 자연의 소리에서 일정한 패턴과 흐름을 찾는다. 물의 흐름이 부딪쳐 발생하는 소용돌이, 신호를 주고 받는 돌고래, 개구리의 호흡에 따른 반복적인 소리들은 패턴, 반복, 변형을 통해서 비트의 최소 단위에서 중폭과 중첩에 이르기까지 추상화되는 결과로 이어질 것이다. 노세환은 흔한 속담이나 인용구를 비틀면서 쉽게 지나치기 쉬운 사회적인 통념에 주목한다. 이번 전시에서는 공중의 추상적 저울 형상을 통해서 균형과 통합의 균열을 꼬집는다. 균형과 관계는 생각보다 단순하지 않고, 각 그룹의 이해 관계에 상충하는 지점은 다른 갈등으로 이어진다. 박윤주는 금천구의 독산역에서 금천예술공장으로 이어지는 골목길의 사물들을 건축, 모션그래픽, 디지털 드로잉의 기법으로 사물의 운동성이 갖고 오는 변이에 대해 이야기한다.
서재정은 건축적 모티브를 통하여 심리적인 공간을 표현하는 회화 작업을 하고 있다. 공간을 표현하는 과정은 하나의 선에서 시작하여 공간 구조를 해체하고 재조합하면서 새로운 형태를 상상한다. 안광휘는 렌티큘러의 시각적 기술의 개념을 청각적으로 구현한다. 서 있는 위치에 따라 다른 음악이 들리며, 그 음악들 사이에서의 연관성과 차이점을 경험하게 만들고자 한다. 95bpm정도의 적당히 빠른 템포로 이루어진 2000년대 초반 올드스쿨 스타일의 비트를 중심으로 두 가지의 랩이 펼쳐진다. 같은 비트 위에서 비슷한 라임과 플로우로 꾸며진 서로 다른 이야기를 통해, 시간에 따라 한 개인이 예술을 바라보는 관점이 어떻게 변화하는지 살펴볼 수 있을 것이다.
진달래&박우혁의 〈Stage Direction〉은 어떤 현재가 ‘현재’인가에 대한 질문이다. 그 질문을 위해 어떤 현재를 시점과 관점에 따라 여러 개로 나누고, 그 현재들을 일종의 무대 지시서(Stage Direction)로 기록한다. 시간이 재배열되거나 생략 혹은 지연된 현재, 공간이 재구성된 현재, 사건의 중심이 내러티브에서 인물로 이동한 현재 등을 위한 무대 지시서는 사건은 똑같이 반복되고 있지만, 시간과 공간이 어떻게 조합되는지에 따라 변주되고 있음을 보여준다. 윤주희가 말하는 새벽 4시의 시간은 자신의 의지와 상관없이 깨어 있는 시간을 뜻한다. 비자발적으로 선택한 시간이지만 그 시간의 깨어 있음을 반복하는 것은 어떻게든 삶을 지속하겠다는 것은 부단한 의지에서 비롯되었다.
이재욱은 도로의 리듬을 AR로 구현하여 관객이 도로 규칙에 따라 정해진 노선으로 움직이도록 유도한다. 자동차가 아닌 개인에게 적용되는 다양한 도로 규칙은 관객이 스스로 무대 위의 퍼포머가 되도록 한다. 이현우는 집과 작업실을 오고 가며 마주하는 풍경들에서 매번 다른 시간대를 발견하고 몸의 관성을 벗어난 찰나를 관찰한다. 조재영은 여러 가지 사물의 윤곽을 점, 선, 면으로 연결하고 확장하는 과정에서 발견된 기하학적인 형태의 조각을 발표한다. 작품에서의 수(number)는 기존 언어와 구분되는 대안적인 언어로 사물간의 서로 다름, 차이에 집중하며 ‘평등’의 가치를 지향한다.
고윤정 기획자와 노경택 작가가 2021년 협업하여 만들었던 ‘이동하는 예술책상’은 여기저기서 쓰이면서 부딪치고 깨져 이동 ‘불가능한’ 예술책상이 되었다. 좋은 자재로 만들어진 큐브 책상은 바퀴로 도시의 울퉁불퉁한 리듬을 온 몸으로 전달하면서 도시 산업화에 여러 가지 질문을 던지게 한다. 이번 전시에서 이동불가능한 예술책상은 작은 아카이브룸과 손님과의 대면용 책상으로 활용된다.
Preface/Koh Yoonjeong
This exhibition was designed from the thought about the similarities and differences between art and life. Until now, art exhibitions were generally hold in Samcheong-dong and Tongui-dong, thus it allowed visiting several galleries at once from a trip to Anguk station. In the past, art used to be mediated and thought in a specific place and format called the White Cube, however in today's exhibition the traces of observations of artists reveals that the focuses has shifted onto the general appearance of 'at the moment' which they belong to.
In Rhythmanalysis: Space, Time and Everyday Life, Henri Lefebvre addressed the problem of everydayness as a problem of space and revealed the observation of space in ‘rhythm’. A scenery seen/heard from the open window are cars, walks of the pedestrians, various noises, roads with traffic lights etc. Although it is the same place, the scenery would change by the time in the morning, at lunch, in the evening and at night.
For example, between 7:30 and 8:30, high and junior high school students go to school, between 8:20 and 9, elementary school students go, and between 9 and 9:30, kindergarteners go to school. At night, in residential areas, there will be some noise from people tidying up the day whereas in places like Itaewon and Hongik University area where young people go, it is a time for the beginning of the day. A ‘rhythm’ includes movement, speed, motion or a chain of things however, it also embraces an organic aspect of movement, and it is more than a counting of beats. The cycle can be fast or slow. Thus, the rhythm of a city is hard to be expressed through in a dance or music that goes with accurate beat. In ‘repetition’ of the rhythm, there is no absolute repetition that maintains its identity thus a ‘repetition’ is also a ‘difference’. An unexpected interruption of the new in the repetition triggers divergence in urban life constituted by various activities, rules and laws. A rhythm can occur linearly or periodically. In this way, the phrase is completed and it gradually transform into a law as time goes.
This exhibition aimed to reveal the process of various phenomena that occur when the ‘rhythm’ penetrates life and forms an artwork. Each moment pursued by the artist showed how calculated and predicted plans of an individual artist progress into the exhibition area while quantitatively expanded and contently encompassed. Above all, rhythm of a city is the life of “the presence”. The process of reading fragmented places in the city and the hidden rhythm of everyday life with the eyes of an artist is an observation for small cracks of the problem that we confront in our contemporary life. Moreover, finding the crack and re-discovering a new rhythm and structure is possible when encountering it with the 'body'. There are numerous dialectical processes for visual and auditory rhythms to be somehow embodied in the body and become a gesture and habit by the repetition. 〈Between Two Beats〉 presents the possibility of discovering, eliminating and reconstructing the risk of a new reality that emerges in the repeated rhythms.
Since the visual and auditory rhythms undergoes numerous dialectical processes until they become a gesture and habit by the repetition of embodiment on the body, this exhibition introduced various elements that constitute rhythms, such as objects, cities, patterns, overlapping and repetition that each artist has thought about. Geumcheon-gu is a place where IT-related companies like Gasan Digital Complex are placed as well as residential area, thus it demonstrates the most standard shape for a city. Geumcheon Art Factory, located in Geumcheon-gu for about 10 years, has been a center of culture and art. The exhibition was held in the Geumcheon Art Factory and also at new place called Art Time and invited the beholders to experience the boundaries between art and life that are interpreted by the artists.
Heesue Kwon explored certain pattern and flow in the sound of a city and nature. The sound from a vortex caused by collision of water streams, from dolphins transmitting their signals and repetitive sound made by breathing of frogs would eventually be abstracted from the least unit of beats to amplification and superposition through the pattern, repetitions and variation.
By twisting general proverbs and quotes, Sehwan Rho focused on the social conventions that are easily overlooked. In the exhibition, he indicated the cracks in balance and integration through the abstracted figure of a scale in the air. Unlike the thought, a balance and a relationship is not that simple therefore a conflict of interest for each group continues to another conflicts. Yunju Park addressed about the variation produced by the mobility of objects on alleyways from Doksan statation in Geumcheon-gu to Geumcheon Art Factory.
Jaejung Seo worked on paintings that expresses a psychological space through architectural motifs. The work process of expressing the space begins with a line and continues through the imagination of a new figure by deconstructing and recombining a spatial structure. Kwanghwee Ahn acoustically materialized the concept of visual technology of lenticular. Depending on the standing position, it is possible to hear a different music and to experience the relevance and difference between that music. Two rap songs in old school style beats of early 2000s with moderately fast tempo around 95bpm were in play. One might see how individual’s perspective on art changed over time through different stories with similar rhymes and flows under same beat.
The works of Jinandpark, 〈Stage Direction〉, is a question for what present is ‘the present’. To ask this question, the artists divided the certain time into few different phases according to the time and the perspective, and then recorded those presents as if they are some kind of stage directions. The stage directions for rearranged time, omitted or delayed present, reconstructed space time, and the time that the center of the event has shifted from the narrative to the character revealed how the variation occurred within the arrangement of the time and space even though the event itself has been repeated. Juhee Youn addressed that the meaning of 4:00 am is the time when one awakes regardless of one’s will. Although it was chosen involuntarily, the act of repeatedly waking up at the time was initiated from the endless desire to continue with life in any condition.
Jaewook Lee converted the rhythm of the road to ‘AR (All Recorded, recording of song sung by the singer and music)’ and invited the beholders to follow the route set by the rules. Various traffic rules that apply not to the car but to the person encourages the beholders to participate and become a performer on the stage. Hyunwoo Lee explored different period from the daily scene of a journey from home to work every time he encounters and observers a brief moment aside from the ordinary routine. Jaiyoung Cho introduced sculpture in a geometric shape that he found while linking and extending the outline of various objects with dots, lines and planes. In the work, the number is an alternative language that is distinct from an existing language and it aims to the value of ‘equality’ while focusing on a difference between objects.
A ‘movable art desk’ created in collaboration of the director Yoonjeong Koh and the artist Roh Kyungtaek in 2021, was smashed and broke while using here and there and eventually became an ‘immobile’ art desk. The cube desk made by fine material produced several questions about unban industrialization while conveying the rugged rhythm of a city to the main body of the desk through the wheels. In this exhibition, the ‘immobile’ art desk was used as a small archive room as well as a meeting table for the guests.